Poniéndolo en Perspectiva: El Pasado de Fantasía Española (por Tayanna Todd)

“Spanish Fantasy Past” fue una fascinación californiana por la cultura mexicana a través de los renacimientos en los estilos español colonial y prehispánico a finales del siglo XIX y principios del siglo XX. Estos estilos de diseño y arquitectura se convirtieron en el centro de la identidad del estado por la evocación de las glorias de la España Renacentista y Barroca con su arquitectura, muebles, vestimenta y murales. Al exaltar a los exploradores españoles y los colonos europeos, las contribuciones, la historia y la cultura de las poblaciones nativas y las mexicanas se pasaron por alto en gran parte, se blanquearon, y se desacreditaron de cualquier influencia o significado real. Este concepto no solo ha sido explorado por artistas, sino también por académicos como con el texto de Deverell, Whitewashed Adobe, que señala que “Los Angeles, once part of Mexico itself, came of age through appropriating, absorbing, and occasionally obliterating the region’s connections to Mexican places and Mexican people.” Como resultado, todo lo que podría interpretarse como mexicano fue rápidamente reinventado como “español” o “mediterráneo” y lo poco que quedaba de la cultura mexicana a menudo se retrató en un pasado idealizado e imaginado.

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Las exhibiciones de LACMA fueron bastante extensas y diversas en su exploración de la historia y el patrimonio de la identidad mexicana en la cultura de California. La evolución e hibridación de la cultura en el arte se reflejó claramente en la pintura de Casta. Creado como colecciones de imágenes múltiples, el género mexicano de “castas” del siglo XVIII documentó el proceso de mezcla racial entre indios, españoles y africanos. Estas pinturas propusieron que las diversas combinaciones de españoles e indios elevaban el estatus social y crearon a más españoles “puros” o “blancos”, mientras que la mezcla de españoles o indios con africanos crea la degeneración racial. En estas pinturas, el vestido también ilustraba la diferencia socio-racial con mujeres de cualquier “sangre negra” que tenían prohibido usar ropa europea. La historia de elevar la “blancura” como el estándar y de celebrar lo que es más “puro” o “auténtico” se puede ver desde del siglo XVI con estas pinturas de castas a través hoy en día donde otros elementos de racismo y discriminación todavía existen.

También me impresionaron por algunos de los dibujos de arquitectura de las casas coloniales españolas. Aunque la mayoría de las fuentes fueron tomadas directamente de México, el estilo ayudó irónicamente a reforzar la jerarquía que clasificó a los anglos por encima de los mexicanos en poder y clase. Muchos de los grandes iconos de Hollywood como Groucho Marx, Charlie Chaplin y Claudette Colbert tenían construidos coloniales españolas elaborados para sus residencias personales. Sin embargo, cuando los mexicanos trataron de emular estos atractivos estilos de Hollywood y construir casas de estilo similar, se llamaron peyorativamente Colonial Californianos.

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Otras dos piezas que me destacaron de esta exhibición específica fueron el póster de la película Ramona y el anuncio de la Isla Catalina. El póster de Ramona, basado en la novela de Helen Hunt Jackson de 1884, retrató a California como una tierra de ensueño semi-tropical de ranchos y romanza. La historia de los amantes estrellados, una mujer mestiza y un pobre indio del misión, fue una que ignoró por completo la violencia histórica, el abuso y la discriminación experimentados por estos grupos minoritarios a manos de los anglos. Además, en la película, ambos personajes fueron interpretados por actores blancos y sus actuaciones fueron muy exageradas y caricaturizadas, lo que reforzó aún más los estereotipos de minorías para el público principalmente blanco. Además, el anuncio de Catalina Island captó una pintoresca instantánea del “pasado de fantasía español” con sus gloriosas cumbres de montañas, brillantes colores exóticos, edificios con estuco blanco y tejado de tejas rojas, mujeres con vestidos tradicionales y hombres con grandes sombreros y guitarras… todo esto era un paraíso idealizado y exótico y una escapada romántica cercana que supuestamente esperaba a los californianos adinerados que podían permitirse tomar un barco a la isla.

Como cuando vi el anuncio de la Isla Catalina, también me sentí transportado a otro ejemplo de un “pasado de fantasía español” idealizado cuando visitaba La Calle Olvera. Al ver la calle por primera vez, la declaración de Bill Esparza de que “era más México que México” tenía mucho sentido. Mientras caminaba por la calle de piedra y pasaba los pequeños puestos de madera a los vendedores, todo parecía estar en exhibición, como si en un museo, creado exclusivamente para que los turistas caminen y “ooh y aah”. Esta imagen pintoresca de La Calle Olvera en muchos aspectos cubre las raíces, la historia, la influencia y el legado de México (visto por la Ávila Adobe, la casa más antigua de Los Ángeles, escondida en la esquina con un pequeño letrero, ya que no parece ser visualmente atractivo o “auténtico” en el exterior).

Las verdaderas raíces “auténticas” y el origen de la Calle Olvera se remontan a finales del siglo XIX, cuando en realidad era “Main Street”, el lugar de nacimiento de Los Ángeles. Sin embargo, en la década de 1920, este centro económico y cultural de Los Ángeles se había reducido a edificios abandonados y casi de ruinas. En la década de 1930, la evolución de lo que conocemos hoy como Olvera Street, comenzó a tomar forma. Christine Sterling, una rica matrona, se dispuso a preservar parte de la herencia de Los Ángeles y creó un “Mercado mexicano” en la calle. Si bien las intenciones fueron buenas, el impacto en el tiempo ha dejado a muchos cuestionando la autenticidad y la representación de la cultura mexicana en Los Ángeles. En mi visita a Olvera Street, todos los vendedores eran hispanos, mientras que la mayoría de los clientes y visitantes no eran hispanos. Sin embargo, en los días festivos o quizás en los paseos del domingo por la tarde después de la iglesia, estoy seguro de que este mismo grupo demográfico es bastante diferente. Con su inherente “vida dual” (Portnoy), Olvera Street funciona de alguna manera como una exposición blanqueada de la cultura mexicana destinada a una población no mexicano, mientras que, en otros aspectos, también es un sitio cultural e histórico muy importante reclamado por la comunidad mexicana que los une a sus raíces.

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Los restaurantes de la Calle Olvera se ajustan al mismo tema general del idealismo envejecido desde sus nombres (El Paseo Inn, El Rancho Grande, Juanita’s Café) hasta su decoración. Cada uno se presenta como una pintoresca “vintage” de México como se ve con uno de los puestos más famosos, Cielito Lindo. Conocidos por sus taquitos y promocionando sus humildes orígenes y su menú original cerca de 1934, para anunciar la edad de su establecimiento es un esfuerzo inherente para establecerse como “más” o “genuinamente” auténtico. Sin embargo, después de probar los taquitos de carne, no había nada tan memorable o aparentemente auténtico acerca de ellos que no podían haber salido de mi propio horno o microondas y probado casi lo mismo … un poco crujiente y servido a temperatura ambiente, nada lujoso. Sin embargo, la salsa de aguacate que estaban empapados era bastante espesa y sabrosa, probablemente en un esfuerzo para compensar por estos taquitos muy básicos.

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Con respecto a las preguntas sobre la autenticidad, que ya sabemos que es un término bastante problemático, tiendo a estar en acuerdo de las opiniones de Ferraro sobre la “staged authenticity” y el “foreign other”. Como mencioné anteriormente, sentí que estaba caminando por un portal a un mundo hiper-mexicano y esta presentación de “staged authenticity” en Olvera Street proporcionó una especie de experiencia voyerista que sirvió como una forma de escape para aquellos que no estaban familiarizados con (o no miembros de) la comunidad y cultura que estaban encontrando. Ferraro argumenta además que “this adaptation of cultural and ethnic identity for the expectations of the Latino and non-Latino customer is part of the dual life of Mexican food.” Sin embargo, al igual que “authenticity is not a quality inherent to food” (Portnoy), tampoco es uno inherente a la cultura y estas dos polaridades no son mutuamente excluyentes. La evolución y (re)definición de una identidad cultural “auténtica” es un proceso continuo y una visión “that continues to be shaped [and socially, personally, and individually constructed] by each person’s background and set of experiences” (Portnoy).

En el ambiente transnacional y transcultural que Los Ángeles, la fusión, convergencia y evolución de la cultura latina y “el pasado de fantasía español” en Los Ángeles se manifiesta en todo, desde su arquitectura hasta su comida y sus sitios culturales como Olvera Street, que para bien o para mal, sigue siendo un “marker of identity” (Ferraro) simbólico en lugar de un “marcador” que es claramente auténtico (o inauténtico) para la cultura mexicana.

One response to “Poniéndolo en Perspectiva: El Pasado de Fantasía Española (por Tayanna Todd)

  1. Sarah Portnoy

    Tayanna,
    Gracias por comentarios tan elocuentes y interesantes. Aprendí cosas nuevas leyendo tu blog. Y tienes razón–hasta los nombres de los restaurantes de la Calle Olvera forman parte de esta imagen idealizada. No lo había pensado antes.
    Buena conclusión–relacionas el tema con la identidad de una ciudad tan compleja como Los Ángeles.
    el único error que encontré: También me impresionaron por algunos (no necesitas por)

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